¿Porqué Marina Abramović es la performista más importante de la historia?

Ha sido mucho lo que se ha hablado y escrito sobre la artista serbia, Marina Abramović durante las últimas cuatro décadas. Desde sus inicios en los años 70, Marina ha revolucionado el campo de las artes escénicas hasta convertirse en una de las figuras más aclamadas e influyentes del arte contemporáneo.

1_¿Quién es Marina Abramović?

Marina Abramović nace en 1946 en Belgrado, antigua Yugoslavia, en el lecho de una familia acomodada perteneciente a la Burguesía Roja. Sus padres, Vojin y Danica Abramović, luchan como partisanos  contra la ocupación nazi-fascista en el frente liderado por Marshal Tito durante la Segunda Guerra Mundial.

Una vez la guerra finaliza, los progenitores de Marina pasan a convertirse en «heroes nacionales» y sus carreras dan un pistoletazo, ocupando desde entonces altos cargos públicos. Marina es criada por su abuela materna hasta la edad de 6 años. Se puede decir que la infancia de Marina no fue exactamente fácil.

La artista recuerda este periodo como un tiempo gris donde la post-guerra dejó a generaciones enteras arruinadas viviendo en una extrema frugalidad. Y a ella viviendo con una madre obsesionada por el orden y la limpieza.

Durante estos años de hostilidad, la pequeña encontró refugio en el estudio artístico que la familia poseía en el centro de la ciudad.

2_ Primeros trabajos: Rhythm, 1974

Tras acabar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Belgrado (1965-1970) y completar su formación  en Zagreb (Croacia), Marina empezó a preparar su primer trabajo en solitario.

Rhythm 0 se convirtió en uno de los «actos» más controvertidos (y conocidos) de la artista. En la obra, Abramović explora los códigos morales del espectador, la idea de contrato social (Rousseau) y el lado más reprimido del individuo.

En una mesa colocó 74 objetos que el público podía elegir y utilizar de la manera que le pareciera más interesante. Durante seis horas puso su cuerpo y su vida completamente en manos de extraños. Los espectadores podían experimentar sin guiones ni tapujos. Entre los objetos se encontraban instrumentos de diversa índole y funcionalidad. Desde flores, vendas o perfume hasta  cuchillos, cadenas ó incluso una pistola cargada.

Al principio el público se comportó de manera pacífica y empática, pero poco a poco otra cara más violenta y salvaje del espectador empezó a tomar el control…

«La experiencia que aprendí  fue que, si se deja la decisión al público, te pueden matar… Me sentí realmente violada: me cortaron la ropa, me clavaron espinas de rosas en el estómago, una persona me apuntó con el arma en la cabeza y otra se la quitó. Se creó una atmósfera agresiva. Después de exactamente 6 horas, como estaba planeado, me puse de pie y empecé a caminar hacia el público. Todo el mundo salió corriendo, escapando de una confrontación real…”.»

3_Ulay y Marina

La obra y vida de Abramović tomó un giro inesperado en 1975, cuando se muda a Amsterdam y se enamora de manera fulminante del artista y fotógrafo alemán Frank Uwe Laysiepen, más conocido como Ulay. Aquí comienza una relación artística y romántica que iba a durar 12 años, dónde explorarían la interdependencia en la pareja, la necesidad del otro y la consecuente pérdida de libertad del «yo».

«Estábamos desnudos en la entrada principal del museo, uno frente al otro. El público que entraba al museo, debía pasar por un espacio pequeño entre nosotros y rozar nuestros cuerpos desnudos, era inevitable. El factor crucial fue que todos tenían que decidir a quién mirar a medida que pasaban.”»

En Rest Energy, Ulay sostenía un arco tensado y una flecha apuntando al corazón de Marina. Un pequeño desequilibrio en la tensión de sus cuerpos podía hacer que la flecha se lanzara. Se colocaron micrófonos  para registrar el latido de sus corazones ambos acelerados y desbocados. El acto exploraba las relaciones de confianza, su fragilidad y la vulnerabilidad a la que nos exponemos al poner nuestra vida en manos del otro.

«Rhythm y Rest Energy fueron las performances más difíciles de toda mi trayectoria. En ambas obras, la responsabilidad de mi vida no estaba bajo mi control”.»

4_ La Ruptura «The Lovers», 1988

Después de 12 años de intenso romance y una larga colaboración artística, Ulay y Marina rompen su relación con una pieza jamás antes vista, a la que llamarían «The Lovers: The Great Wall Walk» o «Los Amantes: El Paseo de la Gran Muralla». Un último viaje espiritual que terminaría su relación.

Cada uno, desde extremos opuestos, caminarían la Gran Muralla China hasta encontrarse en la mitad del camino. Allí acabaría todo… Marina partió del lado del mar, representando el agua, la feminidad. Ulay desde el desierto, simbolizando el fuego, lo masculino. Tras más de 90 días de largas caminatas ambos se fundieron en un último abrazo. Tardarían 22 años en volver a verse. Esta obra de la artista escenificaba el desgaste de su relación romántica con el desgaste físico y emocional de «El Camino».

«The Great Wall Walk», 1988

4_ Reinvención en Solitario «Dragon Heads Series».

La ruptura supone un punto de inflexión para la artista serbia, un cambio rumbo en su carrera a partir del cual profundizará en las energías y rituales para alcanzar un nuevo estado de consciencia.

Un  ejemplo de ello es su serie llamada «Dragon Heads» (1990-1994), que Abramović realizó después de su ruptura con Ulay. En ella Marina se quedaba sentada inmóvil con una serpiente deslizándose alrededor de su cuerpo. Según Abramović, el punto de partida era dejar que las serpientes siguieran las líneas energéticas de su cuerpo. En algunos de sus trabajos utilizaba la representación de la Medusa colocando serpientes alrededor de su cabeza y cara.

«Dragon Heads» 1990-1994.

5_ Crítica Política: Balkan Baroque, 1997

«Balkan Baroque» se instaló en la Biennale de Venecia en 1997. En esta representación, Abramović se sienta en medio de una enorme pila de huesos de vaca sangrientos, lavándolos uno por uno mientras canta canciones populares de su infancia. Con esta performance la artista denuncia los horrores vividos en la Guerra de los Balcanes que dejaron su ex país, Yugoslavia, totalmente devastada.

[no_blockquote text=»Cuando la gente me pregunta de dónde soy, nunca digo Serbia. Siempre digo que vengo de un país que ya no existe.» show_border=»no» show_quote_icon=»yes» quote_icon_font=»with_icon» quote_icon_pack=»font_awesome» text_color=»#000000″ quote_icon_color=»#000000″ quote_icon_size=»50″]

«Balkan Baroque», 1997.

6_ Masterpiece «The Artist is Present», 2010

En Marzo de 2010, el MoMA decide dedicar una retrospectiva a la artista serbia para destacar su prolífica carrera artística. «The Artist is Present» rápidamente se convierte en el evento del momento, consiguiendo romper los muros entre el mundo del arte y la cultura popular. Durante más de 700 horas, Abramović se sentó en una sencilla silla de madera (sin reposabrazos) mirando en silencio a las personas que se sentaban frente a ella. La gente hizo cola durante horas para participar. Algunos lloraron, otros intentaron meterse con ella y la mayoría de los visitantes pasaron por una experiencia intensa, casi religiosa, que duró de segundos a horas.

[no_blockquote text=»MoMA se convirtió en Lourdes.»  show_border=»no» show_quote_icon=»yes» quote_icon_font=»with_icon» quote_icon_pack=»font_awesome» text_color=»#000000″ quote_icon_color=»#000000″ quote_icon_size=»50″]

[no_blockquote text=»Después de realizar The Artist is Present en el MoMA de Nueva York, muchos científicos se interesaron en por qué tantas personas que se sentaban frente a mí se echaban a llorar. He comenzado a desarrollar una serie de proyectos con neurocientíficos que incluyen una nueva puesta en escena de The Artist is Present, conmigo y con el público usando electrodos para monitorear lo que está sucediendo. Lo que han descubierto es que hay una actividad increíble en nuestros cerebros cuando te tomas el tiempo de mirar realmente a otro ser humano, sin ningún intercambio verbal..»  show_border=»no» show_quote_icon=»yes» quote_icon_font=»with_icon» quote_icon_pack=»font_awesome» text_color=»#000000″ quote_icon_color=»#000000″ quote_icon_size=»50″]

7_ Claves del Artista: Conclusiones

Marina ha sido una de las primeras y pocas artistas performances en ser «aceptada» formalmente por el mundo del arte, capaz de llevar a cabo solo exhibitions (Exhibiciones individuales) en los museos más prestigiosos del mundo, desde Europa hasta EE.UU.

Quizás una de sus mayores habilidades haya sido la capacidad de conmover a la audiencia, expandiendo su umbral de conciencia. Su obra (y vida) basada en el auto-descubrimiento tanto de sí misma como de su público, ambiciona alcanzar cambios personales profundos en el individuo. En el legado de Marina, la obra física no existe como tal, el arte es el acto. El proceso. Convirtiendo cada experimento en una continua búsqueda de significado, de transformación espiritual.

¿DÓNDE ESTÁN LOS LÍMITES?

Nota al Coleccionista: Consigue el ArtBook de la artista